SL: Für jede Art der Zusammenarbeit gibt es immer einen Anfang und in Düsseldorf stehen wir gerade noch am Anfang. Mit Dance Reflections arbeiten wir an zwei Hauptsachen: Künstler bei der Erstellung neuer Produktionen zu unterstützen und Institutionen, wie hier in Düsseldorf, dabei zu helfen, die Werke zu präsentieren. In Düsseldorf kombinieren wir beide Dinge. Das Theater ist der Produzent der Aufführung, wir finanzieren die Produktion mit und wir haben uns entschieden, sie gemeinsam zu präsentieren. Es ist mir sehr wichtig, an der Quelle der künstlerischen Produktion zu sein, indem wir neue Werke finanzieren. Wir unterstützen etwa 30 verschiedene Neuproduktionen pro Jahr. Ich arbeite mit vielen Partnern, denn als Kurator stützt man sich immer auf ein Netzwerk. Wir haben uns entschieden, dies global zu entwickeln. Jetzt haben wir Partner in 16 verschiedenen Ländern, etwa 60 insgesamt. Und Düsseldorf ist da ein Neuling, also ein neuer Partner. Ich habe mich mit dem Regisseur von „Moby Dick“, Robert Wilson, vor einem Jahr getroffen, weil wir gerne die neue Produktion von ihm unterstützen wollten. Und Bob sagte, oh, wir haben diesen Partner, der daran interessiert war, „Moby Dick“ in Düsseldorf zu produzieren. Also nahm ich Kontakt mit ihm auf und wir beschlossen, uns zusammenzutun, um das zu verwirklichen.

SL: Zusammenarbeit ist vielleicht gar nicht das richtige Wort, denn er ist der Künstler, der dieses Werk produziert. Es ist nicht meine Aufgabe, zu sagen: „Hey, du solltest dies und das tun“. Wir entscheiden uns, einen Künstler zu unterstützen, und danach ist der Künstler frei. Völlig frei. Ich selber habe gestern das Werk zum ersten Mal entdeckt. Ich wusste nicht, was ich sehen würde, aber ich war ziemlich zufrieden damit. Wenn man einen Künstler wie Bob unterstützt, der natürlich eine lange Karriere hinter sich hat und seine eigene Sprache, eine sehr spezifische Sprache hat, dann weiß man ungefähr, wohin man geht. Aber wenn man es mit jüngeren aufstrebenden Künstlern zu tun hat und sich entscheidet, sie zu unterstützen, dann geht man ein gewisses Risiko ein, indem man dieses Werk verfolgt. Und ich denke, dass es im Kunstbereich sehr wichtig ist, als Kurator dieses Risiko einzugehen. Andernfalls würde alles feststecken. Zeitgenössische Kunst ist immer eine Art Glückspiel auf etwas Neues.

SL: Ich liebe es. Ja, ich bin sehr zufrieden und ich hoffe, wir können dieses Werk mit vielen Menschen teilen. Ich selbst bin ein Fan von interdisziplinären Ansätzen. Und als ich das Werk gestern gesehen habe, sah ich so viele verschiedene Dinge. Ich habe ein Konzert besucht. Ich habe ein visuelles Kunstwerk gesehen. Ich sah ein Theaterstück, ein Tanzstück. Und für mich war es wirklich so reichhaltig und interessant, weil das Publikum einen Teil oder das Ganze genießen kann. Ich denke, dieses Werk kann von vielen verschiedenen Zielgruppen gesehen werden. Wenn Sie zum Beispiel Musik mögen, denke ich, es ist großartig, wenn Sie Theater mögen, wenn Sie Literatur mögen. Es ist ein sehr großzügiges Angebot.

SL: Also bei Dance Reflections haben wir zwei Ansätze. Es gibt das kontinuierliche Programm, dazu gehört zum Beispiel „Moby Dick“. Damit unterstützen wir Projekte in Japan, in New York, hier in Düsseldorf und morgen in Rom. Und zweimal im Jahr gibt es ein Event, das Festival. Für mich ist das Festival wie eine Momentaufnahme, eine Präsentation dessen, was Tanz ist. Ich versuche, damit unterschiedliche Zielgruppen anzuziehen, denn normalerweise wählen die Leute in der Theatersaison aus, was sie sehen möchten. Wir wollen Bob Wilson sehen, wir wollen dies sehen, wir wollen das sehen. Was ich an einem Festival mag, ist, dass man ein Event schafft und die Leute mehr wegen des Events kommen als wegen einer bestimmten Show. Es ist eine Möglichkeit, neue Dinge zu entdecken. Wie baue ich also ein Festival auf? Wie beim Rest des Programms, stützen wir uns auf drei Werte: Kreation, Vermittlung und Bildung. Also versuche ich bei jedem Festival, bestehende Werke, die für mich in der kurzen Geschichte des zeitgenössischen Tanzes wichtig sind, mit neuen zu kombinieren. Ich möchte verschiedene Künstlergenerationen im selben Event präsentieren, weil ich denke, dass es für das Publikum wichtig ist, wenn sie die Arbeit eines jungen Künstlers sehen, zu wissen, dass es vor dieser Arbeit einen vorherigen Künstler mit eigenen Sprachen gab.
Denn manchmal denken die Leute, dass zeitgenössische Kunst, zeitgenössischer Tanz, ein bisschen schwer zu verstehen und zu begreifen ist. Deshalb müssen wir wissen, dass es vor heute, gestern und vorgestern gab. Und mit jeder Ära der Geschichte gibt es Künstler, die neue Dinge erfinden, die vielleicht für die damalige Zeit ein bisschen kompliziert waren. Aber genau deshalb bewegt und entwickelt sich die Kunst. Als Nijinsky 1912 Le Sacre du Printemps in Paris präsentierte, war es ein Skandal und jetzt ist es ein Meisterwerk. Oder auch die deutsche Choreografin Pina Bausch: Am ersten Tag, an dem sie in Paris präsentiert wurde, verließen die Leute das Theater. Sie mochten es nicht, weil es neu war, es war ein neuer Ansatz, eine neue Sprache. Und jetzt wird sie als große Künstlerin anerkannt.
Ich denke, wenn man sich mit zeitgenössischer Kunst beschäftigt, denkt man darüber nach, was hinter einem liegt und man versucht, mit neuen Entscheidungen zur Kunstgeschichte beizutragen. Bob Wilson hat eine lange Karriere hinter sich und sehen Sie, was er gestern gesagt hat. Er war sich nicht sicher, was er uns präsentieren wird. Er war ein bisschen schüchtern darüber und sagte sogar am Ende seiner Rede, wenn es Ihnen nicht gefällt, können Sie gehen. Ich meine, für einen Künstler ist es immer eine Herausforderung, seine Arbeit zu präsentieren. Stellen Sie sich also vor, wenn ein Künstler wie Bob Wilson nach einer solchen Karriere so ist, welchen Druck Sie als junger Künstler fühlen, wenn Sie Ihre Arbeit präsentieren. Deshalb ist es als Kurator meine Aufgabe, junge Künstler wirklich zu unterstützen und ihnen zu zeigen, dass wir das Risiko gemeinsam eingehen. Wir laden die Leute zu einer neuen Erfahrung ein und sehen, was passiert.
Der Tanz war bis zum Ende des 19. Jahrhunderts, Anfang der 20er Jahre, über drei Jahrhunderte hinweg sehr stark kodifiziert. Wir haben zwei romantische Ballette vom Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts, und im 19. Jahrhundert war es eine Revolution, die Moderne. Man sagte, okay, wir können das alles vermeiden, alle Prinzipien, alle Codes, und eine neue Art der Kreation erfinden. Also Abstraktion, Expressionismus für die bildende Kunst, die Moderne und Jazz im Tanz und in der Musik natürlich. Es war eine starke Revolution in allen Kunstformen. Für den Tanz wurde die Moderne zu einem bestimmten Zeitpunkt ziemlich klassisch, zum Beispiel bei Martha Graham. Es war eine Revolution in Amerika. Aber nach einer Weile fanden alle jungen Tänzer, die für Martha Graham arbeiteten, dass es jetzt genug ist. Also erfanden sie das, was wir postmodernen Tanz nennen, und die Lehre des postmodernen Tanzes war, dass jede Art von Bewegung Tanz sein kann. Stellen Sie sich also all die Möglichkeiten vor, die es eröffnet hat. Selbst Stillstand konnte Tanz sein.
Das ist auch der Grund, warum es sehr wichtig ist, eine historische Perspektive zu haben, wenn man zeitgenössische Kunst betrachtet. Also, was ist zeitgenössischer Tanz jetzt? Es ist wirklich eine große Frage und ich versuche, das herauszufinden. Immer, wenn man künstlerische Entscheidungen trifft, muss man sich fragen, wo man seine Vision positionieren möchte, und es ist sehr kompliziert das zu sagen, aber es gibt einige Kategorien, die man identifizieren kann. Besonders jetzt ist es kompliziert wegen der Globalisierung. Man kann andere Länder nicht ignorieren, zum Beispiel das, was wir urbanen Tanz nennen. Meistens, wenn man sich die Wurzeln des Hip-Hops oder Voguing oder anderen Arten von Urban Dance ansieht, haben sie afrikanische Wurzeln wegen der afrikanischen Sklaven, der Sklaverei in Amerika. Also, es gibt viele Fusionen, im zeitgenössischen Tanz, zum Beispiel gibt es einen neuen Klassizismus. Also selbst im zeitgenössischen Tanz gibt es diesen relativ traditionellen Stil und es gibt urbanen Tanz, eine sehr experimentelle Arbeit, die sich mit neuen Technologien, digitaler Kunst und so weiter befasst. Und es gibt auch die Fusion zwischen verschiedenen Kulturen. Ich war kürzlich in China und habe einen chinesischen Choreografen getroffen, den wir jetzt in der Produktion unterstützen, und ich liebe die Arbeit, weil sie nicht chinesisch ist, aber auch nicht zeitgenössisch, wie wir es in Europa machen. Es ist sehr interessant, das zu betrachten. Ich würde sagen, zeitgenössisch bedeutet, dass man Künstlern die Möglichkeit bietet, neue Sprachen, neue Vokabulare zu entwickeln, um Teil der Szene zu sein. Und danach kann es dem Zuschauer gefallen oder nicht. Als Kurator schlage ich Ihnen vor, die Erfahrung zu leben, danach liegt es in Ihren Händen. Entweder mögen Sie es, oder Sie mögen es nicht. Meine Pflicht ist es nur, diesen Raum zu öffnen und Ihnen die Möglichkeit zu bieten, die Erfahrung zu leben, und wenn Sie danach weitermachen möchten, bin ich glücklich. Aber, wenn nicht, ist es in Ordnung.

SL: Wir haben ja erst vor drei Jahren angefangen, also geben Sie mir ein wenig Zeit. Aber wir arbeiten daran, die Beziehung mit den Künstlern, der Produktion, neuen Werken zu entwickeln. Und ich möchte diesen Künstlern auch treu sein. Ich treffe natürlich neue Künstler, aber ich möchte einige auch auf lange Sicht begleiten. Das ist der erste Teil. Der zweite Punkt ist, dass es für uns sehr wichtig ist, dieses Netzwerk von Partnern zu entwickeln. Jetzt haben wir etwa 60 Partner in 16 verschiedenen Ländern. Für mich ist das eine Möglichkeit, mit anderen verbunden zu sein und innerhalb des Netzwerks zu arbeiten, denn als Kurator arbeitet man nicht allein in seinem Zimmer oder Büro. Man ist immer in Verbindung mit anderen Menschen oder anderen Akteuren, und so nährt man sich selbst. Für mich war es also sehr wichtig, dieses Netzwerk zu schaffen. Und es muss auf einer menschlichen Ebene sein. Sonst wird es verrückt. Also, wir haben etwa 60 Partner in vielen Ländern. Jetzt muss ich darüber nachdenken, ob ich das Gefühl habe, dass das für mich in Ordnung ist oder ob ich es erweitern muss. Und es gibt auch den Aspekt der Bildung, der mir sehr wichtig ist und den ich wirklich entwickeln möchte. Ich habe die Produktion entwickelt, die Unterstützung für die Künstler und das Netzwerk. Jetzt möchte ich wirklich den Bildungsansatz entwickeln. Wenn ich über Bildung spreche, habe ich zwei Visionen, erstens die berufliche Entwicklung des Künstlers. Um als Künstler zu schaffen, braucht man auch einen Raum zum Arbeiten. Deshalb haben wir jetzt ein Residenzprogramm. Ein Residenzprogramm in New York, eines in Japan, eines in Hongkong. Und ich möchte dieses Netzwerk auch entwickeln. Außerdem möchte ich auch Workshops an verschiedenen Orten für Amateure entwickeln. Wenn wir zum Beispiel das Festival machen, organisiere ich immer Workshops für Amateure parallel zum Programm. Man kann eine Disziplin natürlich nicht nur durch Zuschauen angehen. Ich denke, wenn man dem Publikum auch die Möglichkeit bietet, zumindest einmal zu üben, ist das sehr wichtig. Man sieht die Dinge dann anders. Wenn wir ein Festival machen, öffnen wir auch ein Studio und die Leute können sich anmelden und sie lernen, was es bedeutet, in ihrem Körper ein Tänzer zu sein, eine Bewegung zu erfinden. Und ich denke, das ist eine großartige Erfahrung. Also ist das für mich zu dieser Zeit wahrscheinlich das größte Projekt. Und das zweite ist, Tanz mehr zu verbinden. Es ist schon verbunden, aber mein Ziel ist es, mehr Dialoge zwischen den verschiedenen Disziplinen zu unterstützen, zu schaffen. Was ich zum Beispiel an der Arbeit von Bob Wilson mochte, ist, dass alles in dieser Arbeit enthalten ist. Man besucht ein Konzert, man erlebt so viele verschiedene Dinge. Und ich denke, für Künstler ist es sehr wichtig, mit den anderen Disziplinen verbunden zu sein. Und ich war so glücklich, wissen Sie, als mich dieses feine Schmuckhaus kontaktierte, weil ich nicht an die Verbindung zwischen der Kreation von feinem Schmuck und Tanz gedacht habe und jetzt ist es für mich so natürlich, weil man im Grunde, egal über welche Disziplin man spricht, über Kreation spricht.